Guitarre et clarinette sur une cheminéePablo Picasso · 1915

Guitar et Clarinet sur un Mantel

« Ma vie est enfer », écrivait Picasso à Gertrude Stein juste avant la mort de son compagnon, Eva Gouel, en décembre 1915. Picasso’s obsession avec Eva’s santé, la guerre, ses amis dans l'armée, et sa statut comme citoyen espagnol en France comptes pour son faible rendement cette année. Bien que Picasso’s quelques amis restaient à Paris étaient fascinés par son entrée dans le portraitisme représentatif (voir le portrait d'Ambroise Vollard, MMA 47.140), ils tous notaient la présence de grandes compositions Cubistes dans son studio sur la rue Schoelcher, surplombant le cimetière Montparnasse. Il était, peut-être, parce que la guerre que les tableaux restaient dans son studio, où Picasso continuait de réviser leurs œuvres. Cette composition fut repeinte innombrables fois, passant d'une teinte brunâtre et grise à une couleur vive et fraîche, puis finalement aux couleurs sombres associées au désespoir de Picasso sur le déclin d’Eva. Bien que Picasso peintrait bien des natures mortes sur un mantel, celui-ci pourrait être son premier. Il souligne les aspects anthropomorphiques des objets inanimés, encourageant les joues du manteau à être lues comme jambes et les instruments musicaux à être associés à l'anatomie masculine et féminine. Picasso considérait clairement cette œuvre importante : non seulement il photographiait-il en cours de création, il plus tard accrochait le tableau chez son foyer rural Fontainebleau et le conservait jusqu’à 1930. Cette œuvre est une véritable mosaïque d'éléments divers, notamment des instruments musicaux tels qu'une guitare et un clarinette. La guitare est positionnée vers la gauche du tableau tandis que le clarinette peut être vu à droite. Il y a aussi plusieurs autres objets dans le tableau, comme une chaise située près de l’espace centre-gauche, une horloge placée au dessus de la guitare et une bouteille située au sommet droit du tableau. La composition globale du tableau est assez complexe et visuellement stimulante, chaque objet contribuant à l'expression artistique. La peinture appartient au mouvement Cubiste, une révolution esthétique qui bouleversa les conventions artistiques de son époque. Picasso, influencé par les idées de Georges Braque et Jules Paschal Robida, cherchait à représenter la réalité sous plusieurs perspectives simultanées, abandonnant ainsi la perspective traditionnelle pour une approche plus fragmentée et abstraite. Cette méthode technique est particulièrement visible dans l'utilisation des couleurs vives et contrastées qui créent une atmosphère émotionnelle intense. Les artistes de cette période étaient fascinés par les nouvelles formes d’expression artistique et cherchaient à explorer les limites de la peinture traditionnelle. Picasso était un véritable pionnier, utilisant des matériaux innovants tels que le papier et le sable pour créer une texture unique et renforcer l'effet dramatique du tableau. Il considérait cet œuvre comme une véritable méditation sur la beauté et la mélancolie, une réflexion sur la fragilité de la vie et la puissance de l’art. Cette œuvre est bien plus qu'une simple représentation matérielle; elle porte en elle les émotions profondes de Picasso et son engagement envers les préoccupations humaines de son temps. Elle témoigne de sa sensibilité artistique et de sa capacité à traduire les expériences émotionnelles complexes dans une forme visuelle puissante. En utilisant des couleurs vives et contrastées, Picasso parvient à évoquer un sentiment de désespoir et de beauté simultanés, capturant ainsi l'essence même de la condition humaine. Il est une véritable invitation à contempler la beauté intérieure et extérieure du monde qui nous entoure, une œuvre qui continue d’inspirer les artistes et les amateurs d’art aujourd’hui.