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La Descente de Croix de Pontormo

Pontormo a exécuté la Descente de Croix entre 1525 et 1528. Commandée par Lodovico Capponi en 1526, l'œuvre occupe la chapelle Capponi au sein de l'église Santa Felicita à Florence. Le sujet se concentre sur la déposition du corps du Christ après la crucifixion.

La composition est conçue selon une orientation fortement verticale. Elle a été pensée pour être contemplée par un observateur levant les yeux vers le haut. Cette orientation, conjuguée à l'agencement spécifique des figures, crée un sentiment de tension spirituelle et de mouvement au cœur même du cadre de la chapelle.

Composition et éléments visuels

La composition se définit par une verticalité affirmée, conçue pour un observateur contemplant la scène depuis le bas. Cette perspective accentue la hauteur de la scène, laquelle est érigée sur une colline artificielle évoquant un décor de théâtre. Les figures sont étroitement regroupées, engendrant un sentiment de chaos et un chagrin accablant. Le corps du Christ repose horizontalement sur la partie inférieure de l'arrangement, offrant un élément d'ancrage au milieu du mouvement tumultueux des pleureuses.

Un jeu complexe de formes définit le champ visuel, allant des formes arrondies des corps humains aux plis tranchants et anguleux des draperies. La palette de couleurs utilise des tons bleu clair et bleu acier, contrastant avec des vêtements rendus dans un rose rappelant les cyclamens écrasés. Ces nuances interagissent avec la tension structurelle des figures pour instaurer un sentiment d'agitation spirituelle.

Matériaux et détails techniques

L'œuvre est exécutée sur un panneau de bois de peuplier présentant une coupe subradiale. Sa structure repose sur six planches de peuplier, maintenues ensemble par trois traverses originales en bois de mélèze. Ces supports internes sont insérés par une cale mesurant environ un tiers de l'épaisseur des planches elles-mêmes. Certaines zones du bois portent les traces de réparations historiques, notamment l'utilisation de chevilles en forme de nœud papillon pour combler les nœuds du bois.

L'artiste a employé la technique de la tempera pour obtenir la surface finale. Afin de transférer la composition des étapes préparatoires au panneau apprêté, la méthode du carton a été utilisée. Ce procédé consistait à tracer un dessin, à partir d'une feuille avec du charbon au verso, directement sur le bois. L'application du pigment qui en résulte repose sur l'intégration précise de divers composants minéraux, incluant l'azurite, le blanc de plomb, le noir et le lapis-lazuli pour les tons bleus, ainsi que du laque de garance pour les vêtements roses.

Histoire de la restauration et de la conservation

La préservation de ce panneau en bois de peuplier a nécessité plusieurs interventions majeures au fil des siècles. Des efforts de restauration documentés ont eu lieu en 1620, entre 1725 et 1728, de 1820 à 1825, ainsi qu'en 1936 et 1978. Ces traitements périodiques ont permis de garantir la stabilité physique des six planches et de consolider les divers chevilles utilisés pour renforcer les traverses originales en bois de mélèze.

Un projet de restauration récent et d'envergure a été mené par Daniele Rossi. Ce travail, dont le coût s'est élevé à 105 000 €, a été rendu possible grâce au mécénat de Kathe et John Dyson. Le projet s'est concentré sur l'intégrité structurelle et esthétique du panneau, assurant la clarté de la coupe subradiale ainsi que la préservation des couches complexes de tempera et d'huile employées par l'artiste.