Beislemos vaikų žudymasNikolajus PusanasNone

Aukos kūrinio identifikacija ir jo kilmė

„Beislemos vaikų žudymas“ yra prasmingas Nicolas Poussin kūrinys, sukurtas maždaug 1628–1629 metais. Šis platinas buvo originaliai užsakytas Vincenzo Giustiniani savo romo palazzo, atspindėdamas aukštingą rėmėjų intelektualizmą, būdingą šio meno meistro laikui Amžinojoje sostinėje. Per šį užsakymą Poussin įsiamžino į intelektualinius ir religinius XVII amžiaus pradžios sūpines, įtvirtindamas gilią biblijinę pasaką struktūrizuotoje vizualinėje formoje.

Pažinties tema yra pasikričita iš Matavo evangelijos, tiksliai iš 2:16–18 skliaipsnio. Jame vaizduojama šiurksti Herodo dekretą sukelianti pasekmė – įskolomis Betliemos aplinką buvo nuteikta nužudyti visus iki keturių metų amžiaus kūdikius. Šis specifinis Naujosių metų pasakos epizodas suteikia pagrindą scenos intensyviai žmogui skausmingai dramai bei moralinei svoriui, kurį Poussin siekė perteikti per savo disciplinuotą kompozicijos požiūrį.

Kompozicija ir vizualiniai elementai

Figūrų išdėstymas pasitelkia griežtą piramidinę struktūrą – tai apieidžiamas geometrinis pasirinkimas, kuris žiūrovio žingsnius nukreipia į viršų. Šis aukštyn skrieantis judesys sukuria tvarkos pojūtį net tada, kai pati tematikos įtampa pasiekia savo kulminaciją. Šio judesio centre moteris glabia savo kūdiką, o jos kūno polinkis įkvečia gilią pažeidžiamumo ir bevengimo pojūtį. Ji yra at unfolding tragiškumo žaidimo centras, išsunkta prieš pavojingą dviejų užkapų, staiga ir smagių judesių su kılınais, stovi. Aplinkinė erdvė užpildyta kariais, moterimis ir vaikais, kuriuos suformuoja klasikinės kolonos, įtvirtinančios sceną struktūriškos architektūros rėmuju.

Figūrų išdėstymui lemia tyla, kuri atrodo sunkeli ir užspaudžianti. Net ir masakros chaoso viduryje kompozicija išlaiko kontroliuojamos, racionalios erdvės jausmą. Scenoje matomi du šunys, kurie veikia kaip lojalumo ir budrumo simboliai aplinkos okrėpimo ir okrėpimo viduryje. Jų buvimas prideda tylaus stebėjimo sluoksnių vykstančiai tragedijai. Šių elementų – kolonų vertikalumo, pagrindinių figūrų trikampio grupavimo ir išsklaidyto kariumų stebėjimo – sąveika kuria sceną, kuri atrodo kartu milžiniška ir kartu itin intymi.

Technika ir meninė stilius

Šiame eleje ant pluošto Poussin atsisako vaizdingos venecijietų stiliaus perteklių, rinkdamasis disciplinuotą ir struktūrizuotą požiūrį. Jis naudoja stabisčios spalvų paletę, pasitelkdamas bliedrius raudonus, rėdos ir mėlyvas tonus, kad padidintų scenos emocinį poveikį, tačiau neperkraustytų žiūrovio. Šis tyčia pasirinktas nuosaikumas užtikrina, kad dėmesio centre lieka pasakojimo rimtumas, o ne paviršutinė spektaklio grandika. Darbas pasižymi aiškumo, loginumo ir tvarkos jausmu, atspindėdami itin kontroliuojamą kompozicijos metodą.

Dailininkas skliautį pirmenybę linijai, o ne spalvai, skliautį per visą płatį yra akivaizdi. Jis naudoja chiaroscuro techniką, kad išskalpytų figūras, pasitelkdamas šviesą ir šešą suteikdamas žmogaus formoms gylį bei svorį. Ši technika leidžia jam sukurti jautrią įtampos ir nevilties pojūtį, išlaikydamas formų pusiausvyrą. Šviesos ir šešalo žaismas ne tik puošia sceną; jis apdefines figūrų struktūrinį vientisumą ir erdvę, kurioje jos dalyvauja.

Istorinis kontekstas ir meneskio įtampa

Ludviko XIII valdymo laikotarpiu sukurta ši darbo dalis atspindi svarbų klasikinio mokslo atgimimą, kuris apibūdino to laikotarpio intelektualinę aplinką. Poussin atsisakė vaizdingos ir puikios venecijietiškos baroko ekstravagancijų, ieškodamas labiau disciplinuotos bei struktūrizuotos vizualinės kalbos. Jo požiūris skatino tvarką ir logiką, atėjusį jo kompozicijas toli nuo grynai sensorinių ar teatralinių impulsų, kurie buvo dominuojantys daugelyje septemninto amžiaus šiuolaikinės meno ištrypų.

Meno kūrinio autoriaus evoliucija Romoje buvo glaudžiai susijusi su jo ilgalaikiu susidraudžiu su antikampliškąja kultūra. Jis tiesiogiai įkvepiamo Roms skulptūromos ir freskų, siekdamas perkelti akmens amžinybę į kaitą ant drobės. Šis ryšys su klasikinia praeitis skriečia kiekviename jo trauktume, kurio būdu jis adaptavo Apelesio Hipokrateso prisiekimo kompozicinius principus, siekdamas perteikti solemnumo ir didingumo pojūtį. Jo stiliui taip pat padidėjo Rafaelio įtampa, kurio darbai tapo pagrindu jo siekiui pasiekti pusiausvyrą ir aiškumą.

Atspektyje ir įtaka vėlesniems menininkams

Šio kūrinio palikimas žengia kur kas toli už tai, kokį laikotarpį jis buvo sukurtas. Jo struktūrinė logika ir akcentas linijai, o ne spalvai, tapo pagrindu klasicistiniam judėjimui, siūlant disciplinuotą alternatyvą emocingesniems, prieš tai dominavusiems stiliams. Pirmenybę teikdamas aiškumui ir racionaliam figūrų išdėstymui, Poussin sukūrė vizualią kalbą, kurią studijuos daugybė painerių, siekiančių grįžti prie klasikinės tvarkos principų.

Šis įtakis ypač tampa akivaizdus plėveliant keliems svarbiems Prancūzijos meno figūroms. Jacques-Louis David rado didelę įkvėpimą mokytoje kompozicijos ir moralinės svorio tvarka. Panašiai Jean-Auguste-Dominique Ingres kreipėsi į šį kūrinį ir platesnę menininko kūrybą, siekdamas tobulinti savo suvokimą apie formą ir struktūrinį vientisumą. Net ir artui, kai menas linko labiau moderniam suvokimui, Poussin metodo įtampa išliko: pavyzdžiui, Paul Cézanne remėsi šio meistro stiliaus pamatai savo pačių erdvės ir tvarkos tyrimuose.

Susiję šio autoriaus darbai

Norint suprasti Poussin kūrybos evoliuciją, vertinga žvelgti į jo ankstyvosius ieškojimus. Bacho aukapinimas suteikia galimybę pažvelgti į kūrybos laikotarpį, kupiną daugiau jausmų ir sensualizmo – laikotarpį, kai jo stilius dar nebuvo visiškai pasitenkinęs tuo griežtu, disciplinuotu linijumi, kuris vėliau tapo jo brandios kūrybos žyminumo ženklu. Tai darbas, fiksuojantis perėjimo momentą, kai menininkas stengia się atsiriboti nuo venecijietetiškos spalvų įtakos ir linkstasi į struktūriškesnį formos suvokimą.

Jo atsidavimas religiniam pasakojimui dar labiau išryškėja šešuliui Šv. Erasmo męslėje. Šis kūrinys demonstruoja jo gebėjimą su maldingu didingumu perteikti šventąsias temas. Panašiai jo susijungimas su dieviškuoju atsispindi Siedvainio sakramentų, Eucharistijos paveiksluose, kuriuose atrodau masė, intelektualinį ir dvasinį svorį, kurį jis dažnai siejo su savo kompozicijomis. Šie darbai atskleidžia tapetą, giliai susisijusį su žmogaus patyrimo ir dvasinės tiesos sankryvos tema.

Be grynosios religinės tematikos, jo gebėjimas įamžinti gamtos pasaulio esmę pasireiškia Rudens paveiksle, datuojame maždaug 1660 metais. Šis darbas atskleidžia kitą jo talento veidą, orientuotą į kraštovaizrio ramybę ir tylą. Visas jo kūrybos paliktas palieka įspūdį studijai, kurioje nuolatos ieškoma pusiausvyros tarp dramatiškumo ir tvirtos tvarkos.

• Šv. Erasmo męslė (1628)
• Siedvainio sakramentai, Eucharistija
• Ruduo, apie 1660 m.

Kur galima pamatyti šį šedevrą šiandien

Norint asmeniškai išgyventi šio kūrinio poveikį, būtina kelionė į Chantilly, Prancūzijoje. Šis tapybos darbas saugomas Condé muziejuje – kolekcijoje, kurioje pristatoma itin reikšminga senųjų meistrų tapybos kolekcija. Muziejaus aplinka suteikia galimybę ramiai apmąstyti šį paveikslą, pasidalyvaujant jo istorine aplinką ir prabairos kvaponiu.

Šis tapybinis darbas yra Condé muziejaus kolekcijos dalis. Nors kai kuriose archyvų pastabose šis kūrinys siejami su Paryžiaus Petit Palais, jis iš tikrųjų yra saugomas būtent Chantilly mieste esančiame muziejuje. Tokia vieta užtikrina, kad darbas liktų kuriamos, klasikinės kompozicijos vystymui skirtoje ir kruopščiai kurtoje meno aplinkoje.