Melancholy nach Dürer

Ronald Brooks Kitajs Werk zeichnete sich durch eine tiefgreifende Verbindung zu Literatur und Geschichte aus – ein Merkmal, das seinen gesamten künstlerischen Lauf prägte. Dieses Gemälde befand sich während der Tate Show von 1994 im Büro des Britischen Kulturinstituts in Paris und wurde heftig kritisiert für seine Aussage über diese Bezüge auf den Galerielabeln. Was er als hilfreiche Erklärung betrachtete, wurde weitgehend als pompös und kontraproduktiv angesehen, und Kitaj sah seinen Frauenscheidenfall dasselbe Jahr als direkte Folge der Empörung durch die Kritik eingehen. Neben der Darstellung von „Der Kritiker ermordet von seinem Ehemann“ (1997) – offen geprägt mit kulturellen Referenzen und aufwölbende Präsentation auf der Royal Academy mit einem Preis von 1 Mio. £ – antwortete der bereits zurückgezogene amerikanische Expatriate damit, dass sein Telefon abgeschaltet werden solle. Als ein Symbolisches Werk zur Verbindung oder Trennung des Studios des Künstlers von der Außenwelt findet es sich in diesem Gemälde als eine Art visuelle Pointe wieder, wobei sein alter Empfänger und Drehscheibe sowohl historische Distanz von Glocke und Magischer Quadrat im deutschen Meister Albrecht Dürer’s Kupferätzung Melancholia I (c.1511) betont und gleichzeitig aktualisiert wird. Das Gemälde ist ebenso „nach“ einer kritischen Interpretation durch Kunsthistoriker Erwin Panofsky (1892–1968), der es „in gewisser Weise ein künstlerisches Selbstportrait“ nannte, über „die tragische Unruhe menschlicher Schöpfung“, die zusammengefasst werden kann durch den Aufruf „auch unser Suche nach Wissen wird scheitern“. Über vier Jahrhunderte wurde die Kupferätzung mit der Idee von Melancholie als eine grundsätzlich romantische, gelehrte, einsame künstlerische Bedingung assoziiert. Durch das Aufräumen Dürer’s verstreuter geometrischer Apparaturen schafft Kitaj Raum für ein Gemälde, das klarer über Malerei ist. Zum Beispiel wird kein Kompass verwendet; die Hauptfigur hält stattdessen einen umgedrehten Pinsel, der gerade versucht hat, einen fehlgeschliffenen Kopfporträt im Vordergrund zu löschen und Kitaj verwendete dabei die gleiche Farbe vom oberen linken Bereich des Leinwandes, um zu betonen, dass die Frustration sein eigene ist.

• Künstler: Ronald Brooks Kitaj (1932–2007)
• Geburtsjahr: 1932
• Sterbdatum: 2007
• Geburtsort: Chagrin Falls
• Geburtsland: Vereinigte Staaten von Amerika

Über Ronald Brooks Kitaj: Ein Leben geprägt von Auswanderung und Vision. Kitajs frühe Jahre waren durch ein Gefühl der Verlorenheit gekennzeichnet; sein ungarischer Vater verließ ihn kurz nach seiner Geburt und ließ ihn von seiner Mutter Jeanne Brooks aufziehen, eine Frau, die Durch ihre vielfältigen Berufungen Widerstandskraft verkörperte – Lehrerin und Stahlarbeiterin zugleich. Dieses Aufwachsen prägte Kitaj tief empfinden für die Kämpfe der einfachen Menschen und ein Gefühl davon, sich ständig am Rand zu befinden, Themen, die sein künstlerisches Erkundungswesen zentral bestimmen würden. Vor seinem vollständigen Engagement als Künstler war sein Weg eines rastlosen Suchens geprägt. Er diente im amerikanischen Militär und arbeitete als Seemann, Reisen, die ihn verschiedenen Kulturen ausgesetzt und sein Verständnis für die Welt erweitert haben – Erfahrungen, die die Grundlage für eine künstlerische Vision sowohl tief persönlich als auch universell bildeten.

• Künstlerischer Stil: Figurativ
• Technik: Öl auf Leinwand
• Jahr der Fertigstellung: 1989

Historischer Kontext: Die Kupferätzung Melancholia I von Albrecht Dürer (c.1511) diente als Inspirationsquelle für Kitaj und wurde zum Ausdruck seiner Beschäftigung mit romantischen Ideen über Melancholie und künstlerische Einsamkeit. Das Gemälde reflektiert die Stimmung einer Zeit, in der Kunst und Philosophie tief miteinander verbunden waren und eine umfassende Betrachtung des menschlichen Zustandes ermöglichten. Die Darstellung eines weiblichen Gesichts und eines alten Mannes unterstreicht diese Verbindung zu klassischen Traditionen und betont gleichzeitig die persönliche Reflexion über das Leben und die Kunst. Das Werk ist ein Kommentar zur Kritik von Erwin Panofsky und zum Einfluss der Philosophie auf die künstlerische Praxis des frühen modernen Jahrhunderts.

• Symbolik: Der umgedrehte Pinsel steht für den Verlust eines Projekts und die Herausforderung, eine eigene Stimme zu finden.

Das Gemälde ist ein beeindruckendes Beispiel für moderne Kunst und zeigt eine außergewöhnliche Kombination von Technik und Ausdruckskraft. Es wird häufig als Quelle der Inspiration für Künstler und Kunstliebhaber angesehen und erinnert an die Bedeutung von Geschichte und Philosophie im künstlerischen Prozess. Ein Werk, das sowohl nach innen als auch nach außen blickt und einen tiefen Einblick in die menschliche Erfahrung bietet.